花100块来次太空旅行？音墟声光秀上演“科幻沉浸式”

发表自话题：沉浸式太空生活

为什么说“自我”是最大的困难呢？因为音墟一直在努力避开用作品去诠释风格，而是用尽可能丰富的音乐形式去精确地表达。表达什么？就是用纯粹的音乐语言去讲述一个个天马行空的故事情节，最终用一整张专辑的篇幅串联出一个完整的故事，我个人定义它为“叙事音乐”。

一旦打破了固有的形式，那如何将碎片化的创意、没有限制的演奏、编曲技法与精彩的听觉体验合理的融合到一起，就变成了一个极大的挑战，音乐制作环节决定着这种融合的最终呈现。我本身是音乐制作人，一直都在各种工作中去平衡感性的艺术内在和理性的形式表达，倾尽所能在《300000》这张专辑中，把每一首作品呈现出一种“即能总结过往、代表当下，又可以展示出些许未来主义的味道”。

总的来说，这是一个非常自由而又尽量克制的过程。

着调：整张专辑的故事背景详尽而富于幻想，你是怎么构思出来的？

音墟：源于我对未来世界的憧憬与担忧吧。

好像每一个吉他手，都喜欢星空啊宇宙啊科幻这些东西。网络上也伴随着国产科幻的大热，出现了大量的天体物理学科普文章。我从小就向往宇宙，励志做一名宇航员，当然了，现实是残酷的。80 90年代的科幻经典影片对我有很深的影响，这几年也开始沉下心来读书了，啃了不少枯燥的物理学科普读物，观看大量纪录片，还有就是开始尝试了解哲学。

从我目前理解和了解到的，我并不为科技发展所为人类带来的种种“进步”而感到欣喜，相反，是担忧。尤其人工智能技术的发展，大量科研人员在勇攀科学高峰的同时，未来我们将要面临的哲学、人伦、物种主导等一系列思想理论，都还没有成型。这就好比无论原子弹有多大的毁灭性，我们先研究出来再说，结果呢……

我个人是非常关注现在理论学界所提出的“后人类”这个概念，一方面，我们的后代一定会成为这个“新物种”，另一方面，我们也应该为即将到来的那个时代做好万全的准备，而不至于反被科技吞噬掉。

基于这种思考，我构思了《300000》这个科幻故事。

着调：故事中的人物本来是想逃离地球延续人类文明，最后却又重返地球，为什么做这样的设计？

音墟：从哪里开始，就要从哪里结束嘛~~

其实，目前这张专辑所交代的故事情节，只是一半，故事还没有完结。全人类90%都意识上传了，还有散落在世界各个角落拒绝“移民”的人类，他们怎么办？是要带领他们建立最后的人类聚集地？还是和BOA（注：虚构概念，指具有独立思维意识的数字超脑，即The Brain of the ALL）奋战到底？将数字意识态的人类以什么样的形式重返物质世界……这些问题都会留在下半部里讲述。

着调：专辑封面的美术图画是谁创作的？

音墟：依然是阳光老师。

从单曲《Discovery觅》开始一直合作到现在。第一，他是行业里最好的，哈哈哈哈！熟悉重型音乐圈子的朋友都应该知道他，基本是个垄断局面，而且与海外一线乐团都有着频繁紧密的合作。其次，他非常理解音墟的音乐，理解音墟音乐里所构建的那个世界，他也特别愿意在与我的合作里尝试更多与以往不同的创意风格。

着调：《Speed Up》跟之前几年上线的单曲风格都不太一样，里面规整的快节奏和管乐运用是出于什么考虑？流行色彩偏浓。

音墟：这其实是一首FUNK味道十足的作品，我刻意使用这种复古的跳舞音乐节奏来表达”加速“这个瞬间的状态，这也对应我之前所讲的创作理念——“总结过去、代表当下，又充满未来主义”。

确实，无论从曲风还有段落的安排，包括数码人声的使用，流行音乐的既视感非常强烈，我希望现场的观众和听众，可以在这首歌的时候从故事里面跳出来一会，自由地跟随音乐摆动起来，去感受音乐本身的愉悦。因为这首歌所对应的故事情节，就是任务进入到第二阶段，到达外太空预定加速地点，准备展开一段未知的星际旅程，这是一个相当紧张而又刺激的状态。

着调：《The Temple of Origin》怎么想到用歌剧元素，这个歌剧声音是怎么实现的？据说专辑封面就是从这首歌来的？

音墟：我很非常喜欢歌剧这个艺术形式，它的音乐与演唱形式包含着对白、场景、氛围……其实也是线性叙事的一种手法，跟音墟的很多创作理念不谋而合，我一直希望可以做这样的一次创作尝试，并且是以摇滚乐甚至极端金属乐的形式来表现。

这首作品本身对应的故事情节非常戏剧化，“三名队员在巨大的外星建筑遗迹内，发现了一个冬眠的人形少女，意外将她唤醒，并触发了该设施一系列防御机制，然后遭到异星怪兽的追击，最终逃出升天……”传统的音乐形式和演唱是绝对不可能把情节交代得如此清晰，只能采用歌剧音乐剧的手法。

关于作品里的古典人声合唱，是用虚拟采样音源，我为演唱的内容制作了大量的虚拟发音，大家听起来可能觉得像是某种语言，但是就是一些德语的音节拼凑而成的，非常黑暗中世纪的那种哥特感。另外，我需要一个怪兽的声音，以艺术化的形式把从苏醒、到追击、直至展开攻击的情节画面表现出来。最终，我邀请了我的好朋友，广州HOP（瘟疫之骇）的主唱M兔M，以死亡金属的唱腔来完成这一演绎。

对，专辑封面就是将逃出升天这一瞬间可视化了。

着调：有哪首歌是你特别想推荐的？为什么？只选一首。

音墟：肯定是专辑同名曲《300000》。

这歌很妙，妙就妙在，一支长期以吉他摇滚为主要风格的乐团，居然以DRUM AND BASS电子舞曲风为基础，加上精致的FUNK吉他，混合成了一首非常有活力，但是寓意又特别积极的作品。吉他RIFF绝对是这首歌的亮点。

着调：歌曲的标题与歌曲本身怎么联系起来？是先有故事构思，然后顺着构思去编音乐？还是说先编出音乐，再去套用一个故事大纲？

音墟：基本上是同时，最开始的故事构思很模糊，先行的几首单曲给出了一些线索，渐渐的故事背景和情节清晰起来，后续的作品主题就明确多了。到中后期，创作的同时，故事也在完善，最终11首作品完整对应了故事的每一个重要章节。

歌曲的名称基本就是对应章节的最抽象和精确的表述。

着调：你写音乐的时候通常在想什么？创作过程中有什么习惯？

音墟：有的时候是一个律动，或者一个漂亮的吉他乐句，甚至是一个有感觉的器乐音色，在这个点上，做大量的即兴和尝试，最终归纳出几个可行的结构，再参照我脑海里的故事情节，对这些素材动机进行合理的安排。

着调：你觉得专辑里哪首歌是最难弹的？为此你付出了怎样的努力来准备？

音墟：其实作为三人音乐团体，每一件乐器都是不可缺少的角色。我们有几首歌的篇幅都在7分钟左右，你需要用不同的音色和技法让音乐的情绪持续，这就会要求长时间连贯的演奏，过渡非常重要。要说最难的，应该是《Trapped 困》，这个歌的段落设计特别紧凑，而且我们在4/4拍的基础律动里做了非常多的变化，一点都不单调，演奏非常密集，我还要兼顾SOLO的演奏与哇音的色彩控制，真的不简单。不过我在编曲和录音的时候就把琴练完了，演出是没有太大压力的。

着调：这两年看了什么特别有启发的科幻作品？

音墟：Netflix去年热播的《Dark 暗黑》，今年第二季刚刚完结，最终季会在明年放出。

这是我在近些几年所看过的关于“时间”这个主题最好的影视作品。12个主要人物，老中青三个不同时间跨度中所产生的错综复杂的情感纠葛，构建了一个封闭的时间轮回世界。编剧太厉害了，加上典型欧洲电影的镜头语言和毫无瑕疵的剪辑，可以称的上是一部科幻巨作。

摇滚魂，说是重型也非重型

着调：我们都知道你拥有一个健硕的身材，这次演出是否还会展露雄姿？或者因为忙于音乐，是否健身上有所懈怠？

音墟：啊哈哈哈哈！我打算今年让自己看起来“斯文”一点，不过，即使是TOPLESS，大家也看不清楚啦，因为今年我们舞台视觉部分太强了，我们仨是隐约在投影纱后面表演的。今年最忙的就是8月和9月，我在8月完成了专辑的全部后期，又着手专辑封套的设计，还有巡演舞美的设计，确实有两个月的时间没有运动，不过我是那种生活规律的人，这巡演间隙，已经开始恢复健身了，广州站的时候，我应该会有非常好的状态。

着调：你有一个可爱的女儿，女儿是否听过你的作品，她最喜欢哪首？她对你的作品有什么感觉？

音墟：小的时候不怎么听，现在开始听我的歌了，这张专辑她很喜欢《Sailing Star 航星》，算是睡前必听的。也真的很巧，这当时发布这首单曲的时候，我请阳光帮我手绘的封面，上面那个在宇宙中飘曳的女孩，其实就是以她为原型，希望她长大后能明白我的用心吧~

着调：能听出音墟的音乐虽然有非常多元的探索，但还是有个摇滚的灵魂在里面，你是否同意这种说法？

音墟：这是肯定的，我算是中国摇滚的一代，现在90、95后应该是电音、HIPHOP的一代。烙印太深了，年少时最好的教科书就是欧美打口盘，我们是用这个方式理解的现代音乐、摇滚乐，那是一个很好的年代，每个人都非常珍惜到手的每一张CD和卡带，反复听，仔细听，找到了那个时代最国际化的音乐审美，当然了，我们的音乐基础都还是很薄弱的，但是那个时期奠定了我现在音乐创作上的很多基本理念。

着调：对于音墟的音乐构想，这几年有什么衍变？譬如最初的设想跟现在的音乐有什么不同？

音墟：基本上还在最初设定的那条主线上，“打破风格的局限，将音乐影像化，用多媒体技术打造全新的试听体验”。从去年炫酷的灯光现场，到今年的“科幻情景概念音乐剧”，应该说能力、资源还有团队协作，都上了一个台阶，可以制作出更接近理想中的“音墟呈现”。

如果单说音乐形式，我觉得应该是打开了更多的门，找到了更多的工具，因为我在学习各种音乐风格制作技术的同时，对它们的创作方式有了更深刻的认识和理解，一旦有能力去模仿和复制，我就愿意“拿来”更多，融合到现有的创作中去。

着调：对于你个人，哪些音乐比较启发你？或者说影响了你的音乐审美呢？

音墟：基于音墟早期的作品，大家都会问你是不是喜欢TOOL（美国另类金属乐队），确实是，无论从吉他演奏，作品编排还有对复合节奏的理解，甚至作品意识的输出，都对我有着巨大的影响。其余的就太多了，我总说我是以非常学术的心态去聆听音乐，一方面我要知道时代走到哪里了，另一方面，我需要非常明确，这些时代中的热门音乐类型，是源自哪里，你只有追到根，才能去发展，因为最底层的东西都是最稳定的，你很难在变种的艺术风格里找到创新的机会。

着调：你觉得在重金属摇滚范畴内，音墟跟别的有些重型摇滚相比，不同之处是什么？你是否排斥将音墟划在重金属范畴内？

音墟：如果将音墟归类成一支“重型氛围”乐团，我不会反对，但是一定会失去体验到音墟更多色彩的机会。我总说，西方人的文化理念多“形“，中国人的文化理念讲“意”，音墟一直是采用西方的音乐形式（因为科学，发达），来表达中国人的精神和思维内核。举个例子，音墟所有的重型BREAKDOWN都是行进中的，听觉上是“前进”，速度有差异，步伐有差别。但是纯粹的重型音乐，在BREAKDOWN段落输出的都是“上下”，讲究的是蹲多深，跳多高，这个差别是巨大的。

声光高配，被自己感动得不行！

着调：这次演出灯光舞美下了不少工夫，具体有怎样的设计编排？想呈现什么样的效果？有哪些想法比较难实现？最终效果如何？

音墟：我们将这次巡演现场的形式定位成“科幻沉浸式音乐剧”。首先，它需要能够支撑整张专辑的音乐内容跨度；其次，它要以舞台为荧幕或者媒介，把整张专辑的故事背景、情节发展还有最终的价值观输出等一一展示出来；最终，也非常期待观众可以很享受的沉浸在这个“过程”中。

当定位明确之后，我们就先设定了舞台的功能与形式，在去年的的灯光系统上，加入了一套全新独立开发的LED矩阵显示系统，用它将音乐节奏和段落的变换可视化，这套矩阵的色彩和显示细节是相当经惊艳的，可以说是国内音乐现场的首次应用。

另外，今年最核心的就是视觉VJ部分。我们使用的高品质投影纱，在舞台前面建立出一个“第四面墙”的屏障，它既是一个视觉展示区域，同时，它的透光特性又将舞台乐手、灯光、舞台空间纵深交互从现实中抽离出来，为观众呈现出一个大于三维空间体验的光影组合。为了保证投影素材的清晰度与亮度，我们使用了两台超高流明投影做双投重叠，真的是非常奢侈的现场解决方案。

前期在策划舞台方案的时候，还是遇到了不少问题，比如舞台规划、矩阵造型、设备架设与吊装方案、体积重量啊…..因为这些都受限于巡演这个形式，每个场地都不相同，但我们要尽量保证可复制性。

当硬件系统和控制系统搭建完毕，就是内容设计和演出流程了，这个非常细碎，从舞台脚本、旁白、对话的编剧工作到录音、环境音特效音的制作与后期合成，还有对应的情节动画制作，视频素材的收集、剪辑、字幕制作，VJ素材的筛选，设定CUE点…….都要逐一确认，精确地排入总流程。

这样讲吧，当我们团队各部门第一次合排的时候，所有的人都惊了，真的被自己感动的不行，绝对不是那种单纯讲技术设备和元素拼凑出来的东西，而是在精确逻辑的合理安排下，用技术去展示品质的体验。只有亲身现场的人，才能体会到我说的。

着调：和影像团队的合作是怎样的？他们如何将歌曲视觉化，是你提供创意？以具体歌曲为例。

音墟：真的特别感动能邀请到Openlight团队一起来完成这次的现场视觉部分创作。孙文和陈炜这两位创始人，是目前国内影视行业里意识最超前、技术能力还有艺术品位最好的灯光工程师，近几年国内顶级票房的电影都有他们的身影，包括《流浪地球》、《八佰》、《动物世界》、综艺《幻乐之城》等等。

能够邀请他们加入进来，其实也是源于我们双方艺术品位和技术能力的认可。最开始，他们根据我们去年的舞台方案，加上我们共同探讨的新创意，给出了几个方案，并着手开始进行硬件系统的搭建，我这边同时开始制作旁白和对白的动画视频内容，当视觉的故事主线明确了以后，他们就开始设计歌曲细节的视觉部分，包括素材筛选和一些代码编写。当手里的素材到达一定数量之后，我们就对开始碰头，做更细致的分类和标注，就这样来回回我们一共做了三次。

比如《Speed》这首歌，我先做出一个最基础的同步灯光方案，这个是预编程的，然后孙老师会拿他筛选和制作出来的视觉素材分别对LED矩阵和视频投影进行合理分配，我们俩一个段落一个段落地过，保证时间点精确、内容恰当。尤其副歌“are you ready”人声之后的爆发段落，我们让三个视觉系统同步到一个点，在乐曲正拍出现时候，灯光和LED矩阵会给喷射的星空一个强有力的情绪辅助。

像这样的同步点，现场有很多，这也是观感体验相当刺激的一个体现。